Классицизм

Художественный стиль с таким названием существует со времен раннего барокко - в полемике с ним. Затем он берет верх и властно подчиняет себе художественную деятельность всех европейских и североамериканских художников с тем, чтобы уже не уходить никогда. В форме отдельных школ, кругов, академически ориентированных творений этот стиль вновь и вновь дает о себе знать. В подавляющем большинстве художественных училищ мира классицистическую манеру рисунка и живописи изучают как основу профессионального мастерства.

Известный швейцарский искусствовед Генрих Вельфлин выделяет пять основных различий между барочным и классическим стилями:

  • 1) классический стиль является линейным. Границы предмета подчеркнуты, он изолирован в пространстве. Барочный стиль живописен, изображенные предметы связаны со своим окружением;
  • 2) для классического стиля характерна плоскостность, тогда как барокко - искусство пространственное;
  • 3) классицизм - замкнутая система, барокко - открытая;
  • 4) единство классического стиля достигается композицией четко выделенных элементов, в произведениях барокко композиция представляет собой нерасторжимое целое;
  • 5) классицизм всегда стремится к ясности, в то время как для барокко отдельные элементы представляют меньший интерес, на первый план выходит их соотношение.

Можно добавить еще одно существенное различие: барокко не пытается создать канонические образцы, оно ориентировано на индивидуальное, конкретное мастерство и вдохновение, тогда как классицизм стремится к нормативной эстетике.

По времени классицизм располагается от второй половины XVII в. до начала XIX в. Одной из важнейших черт искусства классицизма была ориентация на достижения античности как на эталон. Но реально искусство этого периода воспринимало античные образцы во многом через искусство эпохи Возрождения. Здесь тоже становится очевидна справедливость теории культурного маятника: от ориентированного на достижения готики барокко маятник качнулся в сторону античной классики, а значит, и к возрожденческим идеалам. Но с искусством Возрождения классицизм не совпадает по мироощущению, в нем есть антиномичность, рождаемая самой эпохой. Родовое и индивидуальное, общественное и личное, разум и чувство, цивилизация и природа, выступавшие в искусстве Ренессанса как единое гармоничное целое, в классицизме поляризуются, становятся взаимоисключающими понятиями.

В основе эстетики классицизма лежат рационалистские принципы Р. Декарта и картезианства. Они видят произведение искусства как нечто искусственное - сознательно сотворенное, рационально организованное, логически выстроенное. Эстетической ценностью для классицизма выступает лишь родовое, непреходящее, неподвластное времени. Классицистический образ тяготеет к образцу, в котором жизнь остановилась в своем идеально вечном облике.

В пластических искусствах предпосылки классицизма зарождаются уже в XVI в. в Италии: теория и творчество Палладио, а также в эстетических нормативах, разработанных болонской школой. Однако в XVII в. классицизм, существуя в полемике с барокко, превращается в целостное стилевое явление только в искусстве Франции. Большим общеевропейским стилем классицизм становится во второй половине XVIII - начале XIX вв. Геометризм подчеркнуто статичных форм и логичность планировки классицисты заимствуют у античной ордерной системы, не стремясь, впрочем, к прямому копированию. Они пытались постичь общие тектонические закономерности древней архитектуры. Стены трактуются как гладкие поверхности, ограничивающие четкие, симметрично расположенные объемы. Архитектурный декор применяется скупо и так, чтобы не закрывать общей структуры, оставаясь только аккомпанементом.

Классицистические интерьеры отличаются мягкостью колористических решений. В классицистической иерархии искусств главенствует архитектура, все остальное только помогает выявлению ее особенностей.

Градостроительство этого периода развивается в контексте концепции "идеального города". В позднем классицизме больше внимания уделяется соединению городской застройки с природой, большие площади переходят в улицы, которые ведут к паркам, набережным.

Скульптура классицизма, как правило, рассчитана на восприятие с определенной точки обозревания, отличается сглаженной моделировкой и стабильностью форм.

Живопись эпохи классицизма по обаянию, фантазии, эмоциональности уступает изобразительному искусству барокко. Она статична, холодновата, существует в слишком узких стилевых барьерах. Возможно, это связано с тем, что античность, на которую ориентируется классицизм, не дала нам столь же ярких примеров живописных шедевров, как это произошло в архитектуре и скульптуре.

Когда говорят об успехах классицистической живописи, имеют в виду в первую очередь французскую живопись.

Высоким образцом данного направления является живопись Никола Пуссена (1594-1665). Он написал много работ на мифологические темы ("Нарцисс и Эхо", "Спящая Венера", "Ринальдо и Армида", "Царство Флоры", "Танкред и Эрминия"). Эти просветленно-поэтические полотна по колориту похожи на возрожденческую живопись венецианской школы (Пуссен учился непосредственно у Тициана). Даже драматическое содержание Пуссен умеет передать в сдержанных формах, не прибегая к внешней динамике и аффектации. "Моя натура влечет меня любить и искать вещи, прекрасно организованные, избегая беспорядочности, которая мне так противна, как мрак - свету", - писал Пуссен.

Первостепенное значение мастер придавал композиции, которой он подчинял все выразительные средства. Его композиции строятся на ритмическом равновесии пластических групп, по своим очертаниям приближающихся к правильным геометрическим фигурам: пирамиде и прямоугольнику. Этому организующему принципу подчиняется и пространство: оно делится на планы, причем главное действо разыгрывается на легко обозримом переднем плане, который параллелен плоскости картины.

Со временем богатство оттенков, характерное для ранних работ Пуссена, уступает место более рассудочной и отвлеченной колористической системе, строящейся на ритмическом чередовании пятен локального цвета - красного, желтого, синего. Именно такая колористическая система соответствовала пластическому идеалу художника. Пуссен вырабатывает каноны красоты, все более близкие античности.

Однако это не было простым подражанием античным памятникам. Он воспринял от античного искусства его целостность, ясность и гармонию. Делакруа писал о художнике следующее: "Пуссен изучает прежде всего человека, и вместо того чтобы довольствоваться возрождением хламиды и пеплума, он воскрешает мужественный гений древних в изображении человеческих форм и страстей".

С годами углубляется философская сторона в творчестве Пуссена. Он все чаще обращается к таким сюжетам из Библии и античной истории, которые были созвучны близким ему идеям стоицизма. Их смысл сводится к победе разума и воли над слепыми страстями. Герои его картин - люди необычайной нравственной силы, исполненные сознанием своего долга. Таков библейский пророк Моисей, побеждающий силой своей воли стихию природы и человеческих страстей ("Моисей, источающий воду из скалы"). В этот ряд могут быть поставлены полотна "Великодушие Сципиона Африканского", "Суд Соломона".

Одно из поздних полотен художника - "Отдых на пути в Египет" - отличает тонкость колористики.

Глубоко своеобразны пейзажи художника, хотя в них можно обнаружить следы влияния Аниибале Карраччи. Проведя большую часть жизни в Италии, Пуссен писал пейзажи именно этой страны, но никогда - конкретной местности. Нередко он включает в свои картины архитектурные памятники - античные здания и руины. Их строгие классические формы так же гармоничны, как и пейзажные мотивы. Мир его пейзажей полон живой красоты и поэтических чувств. Фигуры людей, которые художник вводит в свои картины, обычно связаны сюжетом, созвучным своим смыслом или эмоциональной интонацией образу природы или по контрасту оттеняющим его суть ("Пейзаж с Орфеем и Эвридикой", 1648; "Пейзаж с Геркулесом и Какусом", 1649 и др.).

Вершиной пейзажного мастерства Пуссена и одними из последних его работ стала серия из четырех картин, изображающих времена года. Неотвратимое движение природы от жизни к смерти, от цветения к увяданию связано в них с человеческими судьбами, воплощенными в эпизодах библейских легенд. В "Весне" на фоне роскошной райской растительности изображены первые люди - Адам и Ева. "Лето" изображает величественную сцену жатвы, на фоне нивы изображена сцена встреча Руфи и Воза. В "Осени" на фоне сурового, выжженного солнцем ландшафта посланцы иудейского народа проносят гигантскую гроздь Ханаана, вобравшую в себя живительные соки природы. "Зима" - сцена всемирного потопа. Гармония природы и человеческого существования трагически разрушена. Стихия безжалостно губит жизни, и тщетны всякие усилия по спасению.

Вполне самостоятельную ценность имеют рисунки Пуссена, которые исполнены в гораздо более свободной, живой манере, нежели его живописные полотна, - они эмоциональны, разнообразны.

Значение Пуссена во французской, да и в европейской живописи огромно. К сожалению, академическая манера, принятая и во Франции, и в России, усваивала лишь внешние моменты творчества Пуссена. У него было мало учеников. Подлинным продолжателем его дела станет в следующем, XVIII в. Жак Луи Давид.

Клод Лоррен (1600-1682) - второй после Пуссена мастер пейзажа во французской живописи XVII в. Настоящее имя Клод Желле. Уроженец Лотарингии, он еще ребенком связал свою жизнь с Римом. В своих работах он следовал классицистическим требованиям, идущим от Аннибале Карраччи. Однако его живопись совершенно своеобразна и узнаваема. Оригинален он и в выборе мотивов, и в их трактовке. Лоррен мастерски писал морские мотивы ("Утро в гавани"), величественные пейзажи Компаньи. Героизация природы Лоррену не свойственна. Его пейзажи лиричны, подчас меланхоличны, природа в них дышит спокойствием. Клод Лоррен более свободен в построении композиции, нежели любой из его современников. У него обычно встречается низкая линия горизонта, что обеспечивает прекрасную передачу желаемых пространственных иллюзий. Новаторски подходит художник к свету, который идет как бы из глубины картины. Избегая резких контрастов, он передает тонкие переходы светотени.

Его живописная манера тщательна, но мягка. Колорит гармоничный, сдержанный. В средний период его творчества преобладает золотистая гамма, но со временем художник переходит к более холодным серебристым оттенкам. Прекрасным образцом творчества Лоррена стали его знаменитые пейзажи, изображающие время суток ("Утро", "Полдень", "Вечер", "Ночь").

Графика Клода Лоррена близка по характеру его живописному мастерству. Особенно интересны рисунки художника с натуры. Они обнаруживают наблюдательность автора, его чуткое внимание к природным явлениям.

Влияние Клода Лоррена на европейскую пейзажную живопись ощущается последние три века.

Жак Луи Давид (1748-1825) завершает череду выдающихся представителей французского классицизма. В его раннем творчестве можно обнаружить стилевые элементы роккоко и сентиментализма. Но, видимо, это была юношеская дань моде. Позднее, обретая собственный почерк и самостоятельность художественного мышления, Давид переходит на позиции классицизма. Во время учебы в Италии художник открывает для себя античность и вдохновляется ею, восприняв ее как пример гражданственности в художественном творчестве. Публицистическая направленность, стремление выразить героические свободолюбивые идеалы через образы античности характерны для зрелого классицизма.

Впервые у Давида принципы классицизма обнаруживаются в картине "Велизарий, просящий подаяние". Затем публика знакомится с одной из самых последовательно классицистичных картин во всей истории живописи: "Клятва Горациев". Это произведение противоречиво, в нем есть и энергичный призыв к борьбе, порыв отдать все силы, а если надо, и жизнь для достижения свободы. Но картина предельно статична, она похожа на эскиз для скульптора. Мы сегодня должны прилагать некоторые усилия воображения, чтобы понять, что значила эта картина Давида для его современников. Тогда она всеми воспринималась как актуальное политическое воззвание.

Давид принимал активное участие в работе революционного якобинского Конвента. Вершиной его творчества станут полотна, где он передает трагизм и высокий дух Великой французской революции. Не все из них сохранились, так, например, картина "Убитый Лепелетье" известна только по гравюре Тардье. Возвышенность замысла, торжественность образного строя, лаконизм, преобладание объемного цветотеневого начала над цветом характерны для таких произведений Давида, как "Ликторы приносят Бруту тело его сына". По глубине эмоций, вызываемых у зрителя, на первом месте среди картин классицистов стоит полотно Ж.-Л. Давида "Смерть Марата".

После поражения революции Давид вновь обращает свой взор к античности, воссоздавая эту эпоху как мир идеальной красоты и чистой гармонии. В его искусстве нарастают черты отвлеченности и рассудочной повествовательности. Примером может служить картина "Сабинянки, останавливающие сражение между римлянами и собинянами".

С 1804 г. Давид становится "первым художником" Наполеона. Давид напишет множество портретов деятелей этого периода, отдавая дань точным социальным характеристикам своих моделей. Но также им будут созданы равнодушные, не слишком удачные по колориту помпезные полотна, отражающие разные этапы правления Наполеона. Например, "Коронация", "Наполеон при переходе через Сен-Бернар". В 1816 г., после реставрации Бурбонов, вынужден был покинуть Францию, переехал в Брюссель.

Учениками Давида были такие незаурядные художники, как А. Гро, Ф. Жерар, Ж.-О.-Д. Энгр и ряд других менее прославленных живописцев.

В Германии вторая половина XVIII в. знаменуется выходом в свет теоретического труда, ставшего одним из краеугольных камней искусствознания. Это труд Иоганна Иоахима Винкельмана (1717-1768) "История искусства древности" - первая научная работа, посвященная вопросам искусства. Винкельман рассматривает историю искусства на основе рационалистической методологии, связывая расцвет античного искусства с социальными условиями греческих городов-республик. Книга Винкельмана вызвала горячие полемические отклики современников, среди которых могут быть названы Лессинг и Гете. Идеи, высказанные Винкельманом, сыграли важную роль в формировании классицистической эстетики в других странах, в том числе в России.

В живописи идеи классицизма воплощались Антоном Рафаэлем Менгсом (1728-1779). Этот художник из Саксонии стал одним из влиятельнейших представителей классицизма в Западной Европе.

Он родился в семье художника Измайэля Менгса, портретиста, работавшего в барочном стиле. Учился поначалу у своего отца, потом продолжил образование в Италии, где и прожил большую часть своей жизни. Был членом римской Академии св. Луки, придворным живописцем в Саксонии, в этом же качестве проработал несколько лет в Мадриде.

Менгс писал аллегорические и мифологические картины, портреты, занимался монументальными росписями.

Особенно интересны ранние портретные работы Менгса, которые он сделал по заказу для Дрезденской картинной галереи в юности. Эти работы сделаны в технике пастели, невелики по размеру, но по значительности выражения духовности изображаемых личностей они носят парадный характер. Картины лишены барочной аллегоричности, патетики. Они свежи и непосредственны.

Идеи Винкельмана художник воспринял воодушевленно: возможность создания в современной живописи благородства и естественной простоты древних греков его привлекала. В исторических картинах, которые пользовались огромным успехом у современников, Менгс стремился воссоздать красоту пластического объема античных статуй, строгость их композиционного решения.

Жизненная естественность и гармоничность, которые стремился воплотить Менгс, были созвучны идеям Просвещения и воспринимались современниками Менгса как новаторство, хотя сегодня мы видим, что он в своем творчестве оставался в рамках чисто внешнего следования античным образцам.

Наиболее характерной работой Менгса является роспись плафона "Парнас" на вилле Альбани в Риме. Роспись потолка Менгс трактует как станковую картину, нарисованную на потолке. Ему абсолютно чужды барочные иллюзионистские эффекты. Его классицизм ясно виден в картинах "Суд Париса" и "Персей и Андромеда".

Портретная живопись Менгса и в зрелые годы оказывается индивидуальной и своеобразной, демонстрируя глубокий интерес художника к натуре. Среди его лучших последних работ "Автопортрет", хранящаяся в Эрмитаже.

Одной из первых известных женщин-художниц была представительница немецкого классицизма Мария Анна Ангелика Кауфман (1741 -1807). В произведениях художницы много эмоций, даже некоторой аффектации, но это придавало ее произведениям определенное обаяние и оригинальность. Стремление к античной простоте и гармонии соединялось в них с красивым колоритом и разнообразными светотеневыми эффектами. Она привносит в классицизм элементы почти барочной фантазии, создавая и укрепляя такие жанры, как историческое полотно по мотивам современного романа ("Прощание Абеляра и Элоизы") или костюмированный портрет ("Портрет дамы в образе весталки"). Она оставила также целую серию портретов современников. На творчестве Кауфман сказалось знакомство с искусством Англии, где она провела некоторое время.

 
< Пред   СОДЕРЖАНИЕ     След >